miércoles, 30 de marzo de 2016

Ulises Carrión. 'Querido lector. No lea'

Écouter Francis Bacon : "Parler de peinture c'est impossible"


 27.03.2016
 45 min

martes, 29 de marzo de 2016

Kostis Velonis






mar28_casamaauad_image.jpg
Kostis Velonis, Moon within the Sun is a Communal Land (Based on Mathias Goeritz's Sun and Moon, 1962), 2016. Clay, corn flour, plaster, 71 x 71 x 10 cm.
Casa Maauad


Part Company

March 17–April 28, 2016

Casa Maauad
Altamirano 20
Colonia San Rafael
Mexico City, 06470

www.casamaauad.com





lunes, 28 de marzo de 2016

El toledano Ignacio Llamas, mejor artista español vivo para los críticos de arte



«Es un reconocimiento muy importante, estoy muy contento, y sobre todo, sirve para la difusión de mi trabajo y para saber que estás en el buen camino». Así se expresa el artista toledano Ignacio Llamas, en declaraciones a ABC, sobre el galardón que le ha sido concedido en ARCO por la Asociación Española de Críticos de Arte al «mejor artista español vivo», y valora especialmente que haya sido precisamente en esta importante feria: «Que se interesen por tu trabajo en una feria como ARCO, que tiene tantísimas obras, muchas de las cuales llaman mucho la atención, mientras que mi trabajo es mucho más silencioso, más pausado, es lo que me llena más de alegría».
La obra ganadora lleva por título «Incertidumbres», una mezcla entre fotografía y escultura, unas piezas muy pequeñas, estructuras metálicas con una fotografía dentro que reflejan espacios interiores. Una obra intimista, de mirada interior, de búsqueda de la soledad, del silencio... «Trabajo mucho con el interior del ser humano, con su mirada interior», explica. En su obra se aprecian habitaciones en las que hay elementos como sillas, maletas, puertas entreabiertas, de las que el artista se ayuda para reflejar el interior del hombre. «El ser humano no está presente, pero lo está a través del espectador; por ejemplo, la maleta como símbolo del viaje de la vida», añade Llamas, que lleva 25 años de vida artística y ha expuesto en numerosas ocasiones en la desaparecida galería toledana Tolmo.
Transitando entre la escultura y la fotografía, el artista toledano Ignacio Llamas ha desarrollado una de las obras más coherentes y consolidadas de la joven plástica española, dice el crítico de ABC Miguel Cereceda. Quizá por ello, la reciente Asamblea General de la Asociación Española de Críticos de Arte/AICA Spain ha decidido torgarle este premio por su instalación en la Galería Pilar Sierra de la recién clausurada feria de arte contemporáneo ARCO.
El fallo también incluye el Premio a la mejor galería de Arco 2016, que ha recaído en la Galería Rafael Pérez Hernando, por su montaje y su contenido, sobrio y preciso, obras papel y esculturas, de Susana Solano; y Premio al mejor artista internacional de Arco: Iris Schomaker, por su obra expuesta en la Galería Thomas Schulte de Berlín.

Ignacio Llamas (Toledo 1970), licenciado en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid, comenzó construyendo ámbitos para resguardarse, que se convirtieron en ostugos para pensar y en iconos estéticos, que han terminado en epidermis horizontal fotográfica donde escribe el alma sus sentires mojando en la niebla y en el sueño. En ARCO tenía una instalación mínima, un conjunto de brevísimas piezas, que engrandecía su sobriedad y su intimidad, dice el fallo del jurado. 
Después de licenciarse en Bellas Artes completó su formación en talleres impartidos por artistas como Luis GordilloMitsuo MiuraJaime Lorente Gerardo Aparicio, y en esa época se centra en el dibujo como recurso de un proceso de búsqueda personal. A principios del 2002 traspasa el plano y se adentra en el espacio. Reflejando una gran intimidad sus espacios blancos son habitados por árboles, el silencio, la luz matizadora que dibuja a través de las sombras la idea de transcendencia humana. La luz y el espacio son el eje principal en su obra.
A finales de la década del 2000 comienza a trabajar paralelamente con la fotografía de sus arquitecturas fabricadas manteniendo sus planteamientos artísticos, al mismo tiempo que sus blancos espacios se van agrisando. Y en esa progresión su obra acaba saliendo de sus propios espacios para colonizar los que la acogen, creando instalaciones en las salas en las que se exhiben los objetos, integrándolos como parte de un espacio mayor.
«Con el paso del tiempo, he tenido un mayor interés en hablar del dolor. De mi propio dolor, de mis propios límites,... Al principio eran temas incluso luminosos y alegres. Pero luego ha ido apareciendo el problema de las limitaciones, de los límites», señala Ignacio Llamas.

domingo, 27 de marzo de 2016

documenta 14


Athens / Αθήνα 8. 4.–16. 7.
Kassel / Κάσελ 10. 6.–17. 9.
2017 

Daniel Buren, André Cadere

Renace el arte realista contemporáneo


Renace el arte realista contemporáneo
Juicio hipotecario: "Es inaceptable que las personas sean desalojadas de sus casas, permitiendo que la ambición y las ganancias esten primero que la gente. Eligo expresar estas realidades, no con una metáfora sino directamente". (Max Ginsburg)
El término “arte contemporáneo” fue, por mucho tiempo, asociado con movimientos modernistas y posmodernistas porque cuando esas tendencias emergen, las palabras “arte contemporáneo” o “arte moderno” también son el arte actual. Sin embargo, estos movimientos comenzaron décadas atrás y hoy los términos están desviados.
Un nuevo movimiento de artistas está devolviendo el término “contemporáneo” y lo están asociando con las técnicas tradicionales de los antiguos maestros, aplicado a la experiencia humana, así como a temas importantes de la época.
El público en general se está cansando del arte que necesita largas explicaciones y justificaciones. Más y más personas quieren reconocer lo que están buscando y responder a esto, preferiblemente, a un nivel humanista y no solo a algo conceptual.
El movimiento realista contemporáneo comenzó primero como una reacción a los modernistas y posmodernistas, quienes todavía dominan el mercado del arte en el presente.
Cuando uno puede tomar un objeto encontrado, ponerlo en un museo y llamarlo arte, el sentimiento general entre este movimiento creciente es que la definición de arte se ha vuelto tan amplia que la palabra “arte”, como se define en el arte corriente, ha dejado en tener un significado.
El movimiento modernista originado a principios de 1900 y una crítica de ese tiempo señalaron que “El propósito reconocido del arte ha sido manipulado al introducir los elementos componentes de palabras faltantes… muchos amigos del arte esperan que llegue a su destino, pero unos pocos campeones ven una revolución en progreso”. [1]
Los oprimidos modernistas, prontamente, se apoderaron del mundo del arte, dominándolo completamente a fines de 1940. Después de la tragedia de dos guerras mundiales y la gran depresión, la humanidad fue abandonada con un corazón de cinismo y una mente llena de pensamientos existencialistas, dos cualidades que el arte moderno y posmoderno llevaron hasta el fondo.
En reacción a esta visión negativa de la humanidad y sus logros, los realistas contemporáneos sintieron que a la humanidad se la sirve mejor al representar, a través del arte, las cualidades en la vida que nos unen como personas, en lugar de la degradación de la civilización.
Nada dice más de una cultura que el arte que idolatra. El arte representa lo que una cultura valora, lo que piensa su gente y, esencialmente, lo que considera que vale la pena recordar. El arte representa a su gente, encapsulando su esencia en cada nivel.
Estos artistas creen que hay mucho más arte que el de “Fountain” de Marcel Duchamp, el cual solo es un desperdicio, o el oeuvre de Jackson Pollack, el cual no es más que pintura salpicada.
Los realistas contemporáneos buscan, en el arte que estuvo antes de esas catástrofes globales, a los viejos maestros y especialmente, a los artistas clásicos del siglo XIX, cuyos trabajos llegaron a lo más alto antes de la arremetida del modernismo. Ellos son ahora los progenitores de un renacimiento con nuevos temas que abarcan libertad de expresión a través de la narración de cuentos visuales.
Internet se ha vuelto la herramienta más importante para el movimiento realista. Le permite al movimiento ganar fuerza desde hace 10 años al unir las mentes con gustos similares, capacitándolas al encontrarse entre ellos mismos y promover sus pensamientos a otros.
A través de grupos tales como GoodArt, el Art Renewal Center -ARC- (centro para la renovación del arte) fue fundado como un centro para el realismo. Se convirtió en el museo más grande en Internet y el único, en ese momento, dedicado al arte tradicional.
Las cinco montañas sagradas de China que albergan templos budistas y taoístas



El ARC buscó las pocas escuelas de estudio que todavía utilizaban métodos de entrenamiento provenientes de los viejos maestros y encontró solo a 14 funcionando en ese momento, con menos de 200 estudiantes, ARC lo dio a conocer al público.
Desde ese momento, las escuelas de estudio han crecido drásticamente, con más y más creadas cada año. En la web que habla sobre la renovación del arte, 72 escuelas de estudios y talleres están registradas ahora, con muchos estudiantes y hay muchas fuera que no se han registrado.
Otras alianzas también se han formado, tales como la Sociedad Americana de Realismo Clásico, el Gremio Internacional de Realismo, Sociedad Americana de Retrato Artístico, Pinturas al Óleo de América, Pintura de Dibujo Chino Internacional y el Club de Arte en California, entre muchos otros.
Ahora hay revistas que se dedican al realismo, tales como Fine Art Connoisseur, Plein Air, Artist Advocate, American Arts Quarterly, Art of the West, y otros.
El instructor principal de la Ani Art Academy Waichulis, Anthony Waichulis, comenta: “En pocos años atrás, he encontrado que las solicitudes y preguntas se han incrementado diez veces. Parece que este constante resurgimiento del realismo está alentando a nuevos artistas aspirantes a perseguir con entusiasmo estas habilidades en una escala que no se había visto antes.
“Esto verdaderamente es algo maravilloso, porque creo que una educación efectiva es una de las herramientas más poderosas que tenemos para moldear el futuro”, declaró. [2]
Estos grupos están todos unidos, figuradamente si no literalmente, con su meta de traer la pintura, dibujo y escultura realista de vuelta a un primer plano en el arte contemporáneo.
Las escuelas de estudios son la base del movimiento. Son la fuente de un entrenamiento propio el cual es negado en la mayoría de las universidades y colegios de arte en sus programas de estudio.
Por ejemplo, cuando estaba obteniendo mi título profesional en la universidad Drew (en New Jersey), la cual tiene un programa de arte de mucha reputación, me inscribí para un curso de escultura. Cuando llegué a la clase, me di cuenta que no incluía arcilla, pero si incluía objetos establecidos. Cuando pregunté en que nivel se comenzaba a trabajar con la arcilla, me respondieron que necesitaría tomar un curso de cerámica si quería hacer ollas.
Como lo saben la mayoría de los artistas realistas, la arcilla es una herramienta fundamental cuando se quiere aprender a esculpir la figura humana, algo que el programa de la universidad no enseña. Aunque esto es un ejemplo, no es poco frecuente sino la norma.
En el centro para la Renovación del Arte, se reciben cartas diariamente de artistas y amantes del arte quienes han reportado experiencias similares.
Julian Halsby escribió: “Estoy escribiendo desde Gran Bretaña para decir cuánto apoyo su movimiento para la restauración de los valores tradicionales en el arte. Hay muchos de nosotros aquí en el Reino Unido que creen que el arte moderno es de muchas maneras un engaño y que los valores tradicionales deben ser restaurados en las escuelas de arte”.
“Tenemos una revista llamada The Jackdaw, en la cual David Lee ataca el arte establecido…. Escribo para la revista The Artist y, frecuentemente, expresa opiniones similares a las suyas”. [3]
James Oliver escribió: “Soy un artista que se ha desencantado del mundo del arte a tal grado que, en vez del arte, he perseguido una educación científica. Creo que este sitio es la primera indicación real de que la locura está comenzando a despejarse en tanto la humanidad redescubre la belleza”. [4]
Shen Yun restaura la gloria del pasado de Chi



“Como artista y profesor, creo que el futuro únicamente será posible si devolvemos el arte al lugar donde siempre este perteneció, y es en el corazón de la educación humana”, escribió Jean Corbeil [5]
Estas son unas pequeñas muestras de las más de 400 cartas puestas en la Web de ARC – cartas que vienen de todas partes del mundo y expresan opiniones similares y experiencias.
A diferencia de las escuelas de arte convencionales, las escuelas de estudio se enfocan completamente en el arte representativo. Su estricto plan de estudio requiere que los artistas tomen uno o dos años de dibujo antes de empezar a pintar.
En el libro de estudio clásico Aristides en “lecciones de dibujo”, la instructora principal Juliette Aristides escribe: “Tu trabajo, bien sea dibujar, pintar o la escultura, se mantendrá solo si se construye en una base sólida….el dibujo es el medio más básico a través del cual puedes acceder al poder del arte para expresar ideas, sentimientos, creencias y verdades profundas y universales”.
En la academia de arte Angel, en Florencia, Italia, John Angel utiliza métodos que han sido desarrollados en los últimos 6 siglos, impidiendo que esto muriera. Con el paso de los años, ha visto a su escuela crecer y está convencido de una nueva tendencia: “El siglo XXI está presenciando un renacimiento en humanismo, en lo que concierne al estilo de vida humano y en las artes de forma figurativa, lo que repercute en esto mismo”.
Las escuelas de estudio, organizaciones, revistas y sitios de Internet no solamente muestran señales del resurgimiento del arte tradicional. Los precios en subastas para pinturas y esculturas realistas se han incrementado drásticamente en los últimos 35 años, especialmente las del siglo XIX, con pinturas de artistas tales como William Bouguereau subiendo, en algunos casos, 1.000 veces o 100.000 por ciento.
No parece posible que los precios elevados en las subastas de pinturas del siglo XIX y la contínua expansión del movimiento realista contemporáneo estén sin relación, o aislados, en la tendencia del movimiento global hacia el realismo.
Galerias, incluso algunas importantes como Hirschl y Adler, en Nueva York, están vendiendo y haciendo shows para artistas realistas de nuevo. Los museos están aceptando las obras realistas en sus colecciones, incluidas las obras de artistas que todavía estan vivos.
John Angel tuvo, recientemente, su retrato titulado “Annigoni 1954”, incluido en el museo Villa Peyron en Florencia, Italia. La pintura es de Pietro Annigoni, un raro realista de mediados del siglo XX, quien es citado diciendo, “Solamente el impulso no hace una obra de arte”.
El maestro viviente y escultor Richard MacDonald trabaja, generalmente, en instalación masiva de obras múltiples para el Royal Ballet de Inglaterra.
En reacción a que más y más personas están volviendo a apreciar el arte tradicional, las personas no tienen miedo de decir que no les gusta el modernismo.
El presidente de ARC, Fred Ross, declaró en su discurso en 2001, dirigiéndose a una multitud de 700 artistas de retratos, propietarios de galerías y miembros de la prensa en el museo Metropolitano de Nueva York: “La mayoría de personas no son devotas o educadas en las bellas artes, estas han intimidado exitosamente al grueso de la humanidad a encogerse en silencio, sintiéndose tontos por su inhabilidad para entender”.
Repartir comida gratuitamente acumula méritos en esta vida
persona promedio se encoge de creer la realidad de sus propios sentidos….lo que tiende a pasarle a las personas quienes se permiten ser convencidas de que el emperador está llevando un vestuario hermoso, y es que se han recubierto de ego debido a los años de haber parloteado las mismas falsedades y la humillación asociada que va con el reconocimiento de esto. …Si no hablamos alto y le decimos al mundo que el emperador está desnudo, nadie más lo hará”. [6]

Ross recibió una ovación de pie

Hoy, más y más personas están hablando francamente. Por ejemplo, Los Angeles Times declaró que, recientemente, se han publicado reacciones violentas a una ley nacional en Korea del Sur la cual se promulgó hace 16 años y requería que los constructores de grandes proyectos comerciales encargaran y adjuntaran obras de arte iguales al 1% del costo total del proyecto.
Desde que la ley fue promulgada, 10.684 trabajos artísticos públicos fueron erigidos a un costo de más de $546 millones. Algunos en Korea del Sur fueron tan lejos para decir que la ley había creado a un “monstruo”, con feos y censurables trabajos contemporáneos ubicados por todo el país.
El concejo nacional declaró, “las obras de arte comunes no han estado ayudando al público….de hecho, el entendimiento del público en el arte se ha perdido debido a esto”. Esta conclusión fue hecha en una conferencia internacional con el fin de examinar las políticas de arte públicas, domésticas e internacionales. [7]
Este es ya un síntoma más del cambio global del modernismo, con el arte tradicional comenzando a cautivar un número más y más grande de corazones internacionalmente.
La historia nos ha llevado, una vez más, a un círculo completo con los realistas contemporáneos ya que los oprimidos tratan de levantarse y luchar en contra del arte moderno establecido, el cual ha tratado de suprimir el realismo por 100 años a través de su devaluación, ambos como expresión del espíritu humano y como una legítima forma de arte contemporáneo.
El realismo es todavía una parte pequeña del trabajo que se hace en el mundo del arte pero ha encontrado raíces sólidas que continúan creciendo y floreciendo en un mundo desesperado por arte que se pueda observar, reconocer y relacionar sin requerir de largas explicaciones o justificaciones.
Al usar métodos tradicionales de métodos narrativos para contar historias, proezas técnicas, representaciones exactas de la realidad, belleza, composiciones balanceadas, iluminación sensacional y, lo más importante, temas relacionados a lo humano expresando la naturaleza humana que compartimos, el movimiento realista contemporáneo se ha convertido en un representativo cambio global de rápido crecimiento en el mundo del arte en la actualidad.
Kara Lysandra Ross es la directora del Art Renewal Center (centro para la renovación del arte) y una experta en pintura europea del siglo XIX.

sábado, 26 de marzo de 2016

La descolonización en la Bienal de Marrakech




Cada cierto tiempo surge un «palabro» dentro de este pequeño corral que llamamos «el mundo del arte». Entonces nos empleamos a fondo, como si no hubiera un mañana, y caemos en sus redes. Hace unos años fue el término «táctico»; más recientemente, el concepto de «ensayo» invadió todos los proyectos expositivos que se preciaran (recordemos la bienal de Shanghái, por ejemplo). Estos términos sirven para justificar y, a veces, para aproximarnos a nuevas cuestiones, nuevos modos de pensar, y, en otras, son meros guiños a las modas imperantes
Siendo así, «descolonizar» es el término del momento; es el nuevo «ahora», siguiendo el hilo argumental que plantea la actual edición de la Bienal de Marrakech. Vemos cómo surgen proyectos sobre «la descolonización de la Historia» o la «descolonización de los archivos». Son la respuesta a las teorías de lo poscolonial, la acción directa frente al olvido de las historias marginadas y reducidas a los imaginarios de unas pocas mentes. Y, dicho esto, es también –y muy acertadamente– uno de los conceptos que fluyen entre los vectores que conforman el sistema desarrollado para esta cita. 

En sólo seis ediciones

Ciertamente, es este uno de los eventos más relevantes de África, que se ha consolidado en apenas seis ediciones. Una bienal que recorre la herencia del colonialismo en África y el mundo árabe, así como la región que los anglosajones llaman MENA, que incluye al Magreb y a Oriente Próximo. Las migraciones, las fronteras, el exilio, la Historia se van sucediendo en las narrativas desplegadas en los diversos palacios y edificios históricos que sirven de escenario para esta muestra de muestras. Una bienal en la que el discurso conceptual se alterna eficazmente con el placer de lo sensorial, y que nos lleva a recordar que, efecti- vamente, estamos en Marrakech.
Seis edificaciones históricas acogen la obra de cuarenta y seis artistas, con predominio de los procedentes del ámbito islámico y de África. Proyectos como los de Manthia DiawaraOtholith Group o Superflexsirven para trazar y deconstruir la herencia colonial. La bienal se despliega en los palacios El Bahia y El Badii, el museo Dar Si Saïd, el pabellón de La Menara, las cisternas de la Koutoubia y Dar El Bacha. La potencia del lenguaje arquitectónico de las sedes –evidentemente muy alejadas de la retórica del cubo blanco, pero también de la semiótica de la nave industrial– confluye en un difícil equilibrio entre el arte expuesto y el peso histórico del contexto
Se trata de una confrontación difícilmente resoluble, pero que se incorpora al recorrido como substrato de la experiencia con mayor o menor éxito, dependiendo del caso específico. En el mejor de los ejemplos, llega a momentos sublimes con las ruinas del palacio El Badii como escenografía singular de las obras de El Anatsui o Jumana Manna.

Marruecos moderno

Otro de los ejes en torno a los que orbita la bienal es el análisis histórico del origen de la modernidad en Marruecos. Para este objetivo, las comisarias Reem Fadda Ilaria Conti han invitado a varios equipos de investigadores a presentar proyectos sobre la Escuela de Bellas Artes de Casablanca y sobre el intelectual, escritor y cineasta marroquí Ahmed Bouanani. Descubrir a los antiguos profesores Mohammed MelehiFarid Belkahia y Mohammed Bachaâ ha sido una lección de Historia, y cómo permanecen ignorados desde los museos de Europa es una de esas incógnitas difíciles de descifrar. Omar Berrada es el comisario, también dentro del palacio El Bahia, de una muestra colectiva dedicada a Ahmed Bouanani, en la que se incorpora parte de su biblioteca y donde se suman intervenciones de artistas como Yto Barrada o Sara Ouhaddou. La integración de autores de la escena local de la ciudad es a veces problemática, y quizás una de las cuestiones irresueltas de esta bienal. 
El discur
También en el palacio El Bahia, la sede con mayor densidad de artistas, expone Dineo Seshee Bopape, cuyas instalaciones rinden tributo a la lucha contra el apartheid en Suráfrica a través de una sucesión de habitaciones palaciegas pobladas por sus esculturas. 
La performance tiene también un lugar preeminente en la bienal, desde las conferencias de Juan Asís Palao en la biblioteca de Bouanani, pasando por la integración entre documento, instalación y narración de la propuesta «Queridísima Victoria», de Rayyane Tabet, o el trabajo electrónico de Tarek Atoui titulado «Geografías conjuradas». 
Pero si queremos contemplar la imagen completa no nos quedará otra que asistir a la clausura y poder ver, esta vez sí, el filme inédito de Adrián Villar Rojas. Habrá que volver.

viernes, 25 de marzo de 2016

Mattin



8-10 April 2016 Billy Bao, Counter Flows Festival, Glasgow





Noise & Reality: The Malevolence of Our Times
11-13 April 2016 Cafe Oto, London

"Nothing to do, nothing to say.. waiting for the gift of Sound and Vision."
David Bowie, 1977

This could be a good description to understand our times. A lack of general vision for the future while most people's present sinks into oblivion. Somebody is getting a good deal out of if.

What to do given this abject picture? 
We could start by understanding our own conditioning, genarating agency or at least recognising our lack of it. Certainly there is a lack of harmony in reality and complexity is expanding to unprecedented levels of undecipherality. Nevertheless we have the best tools to understand our times as we never before in history had more cultural inscriptions. During these three days we will engange with conversations, concerts and performances dealing with noise, economic crisis and experiments in language that acknowleds our alienated condition.
Let's try to understand the noise and reality of our present so we can consciously produce  the sound and vision of the future 
(without waiting for anybody's gift).


Cafe OTO
18–22 Ashwin street
Dalston
London
E8 3DL
11th
NOISE, EPISTEMOLOGY AND ABJECTION
Inigo Wilkins and Cecile Malaspina conversation on noise and epistemology
"           " sic Goldie
Billy Bao
VOMIR

12th
LANGUAGE, VOICE AND CRISIS
Anguish Language editors and friends
Miguel Prado and Mattin
Xabier Erkizia

13th
ALIENATION AS AN ENABLING CONDITION
Ray Brassier (via Skype) and Mattin conversation on alienation
Laboria Cubonics
Seymour Wright and Sally Golding
Social Realist Score (Working Draft)

Workshop
12th & 13th April
10am-2pm
Social Realist Score (Working Draft)
How do we perform a score that deals with the fuckedupness of this world? Refugee crisis, economic meltdown, cold and hot war, Europe moving to the right and there is no vision for the future. Nevertheless we can generate an score with the information that we get from the present state of affairs and try to find ways to interpret it. If John Cage brought to the surface the sounds of the room in his composition 4'33'' changing the foreground and background relationship in music (i.e. no sound of a proper musicians is more valid that that produced by an audience member, or the room), we would take an step further and bring to the foreground the reality outside of the room, and find ways of engaging with it from our privileged position. We will take the apparent impossibility of changing the course of reality in parallel with the paralysis that might occur in the room out of accepting certain social conventions. Without shying away from contradictions and confrontation, we will play with this paralysis and we will deal with our anxieties in order to understand how do we become subjects in a given situation. In concrete terms, the score is a way to link the global affairs with the context of an art academy through processing social relations by sonic and performative means using ourselves as instruments.



14th April 

The Ex + Guttersnipe + Deflag Haemorrhage/Haien Kontra

Thursday, 7:30pm, Exchange, Bristol, United Kingdom





8th May, Elbis Rever,  Mattin,   Tabakalera, Donosti
8th October, Mattin, Kule, Berlin





NO-HOW: A critical series of embodied studies or, in other words– putting ourselves on the line.

http://www.nkprojekt.de/no-how-a-critical-series-of-embodied-studies-or-in-other-words%E2%80%93-putting-ourselves-on-the-line/

Reading Group 2016 | Wednesdays March 2, 9, 16, 23, 30, April 6, 13 & 20, 2016.
18:00-21:00
This is a weekly meeting for those interested in understanding how we are conditioned in different ways. If we consider the possibility of actual transformation, first we need to understand ourselves in relation to this world.
We will explore our own determination from different perspectives: linguistically, socially, sexually, culturally, racially, economically, historically, biologically, and more. We will also take into account Berlin and the changes that is going through.
Launched by a group of musicians and artists, this experimental series starts with a critical standpoint towards current culture and music in particular, including the avant-garde, popular and obscure: does music contain transformative qualities? Or is it just a soundtrack for our fucked up times? Are extreme actions, improvisational approaches and noise enough to dismantle our conditioned selves? Or do we need to radically reconsider the critical potential of these practices? Can we still say no to the unfairness of this world through cultural practices or do we need something else altogether?

Each week a text will be proposed which should be read before attending. The first part of the meeting will be discussion; here we will collectively draw notes and create a ‘score’ to guide us through ‘embodied exercises’ in the second part of the meeting. We wish to learn not only discursively, but through embodied practice, so we can experientially understand what experience is. By collectively using ourselves -including our bodies- as material for the exercises, we attempt to understand our conditioning through action.
PREPARATORY SESSIONS (to precede the coming ‘Perspectives’):
2. März: Some Remarks on Kant’s Theory of Experience by Wilfrid Sellars
9. März: Introduction to The Essence of Christianity from The Fiery Brook by Ludwig Feuerbach AND Christianity and Heathenism chapter from The Essence of Christianity by Ludwig Feuerbach
16. März: Feuerbach: Opposition of the Materialist and Idealist Outlooks chapter from The German Ideology by Marx-Engels
23. März: Chapters 1-6 in Dialectics of Labour by Chris Arthur
30. März: Chapters 7-11 in Dialectics of Labour by Chris Arthur
6. April: The Doctrine of Being: Quantity, Quality & Measure in The Encyclopedia of Logic by Hegel
13. April: §112-131 from chapter The Doctrine of Essence in The Encyclopedia of Logic by Hegel 
20. April: §132-159 from chapter The Doctrine of Essence in The Encyclopedia of Logic by Hegel
27. April: Marx, Hegel and the Value-Form by Chris Arthur
Third Perspective: Approaching Conditioning, Economically
WK1: Willing Slaves of Capital (PT.I) by Frédéric Lordon
WK2: Willing Slaves of Capital (PT.I) by Frédéric Lordon
WK3: Selected Chapters from The Making of the Indebted Man by Maurizio Lazzarato
WK4: Misery and Debt by ENDNOTES
PAST PERSPECTIVES (from autumn 2015):
First Perspective: Approaching Conditioning, Linguistically. Texts by Wilfrid Sellars.
14. Okt: Meaning as Functional Classification
21. Okt: Language as Thought and as Communication
28. Okt: Behaviorism, Language and Meaning
4. Nov: Language, Rules and Behavior
11. Nov: Discussion with Ray Brassier via skype on Wilfrid Sellars
Second perspective:
Approaching Conditioning of Sexuality and Gender
25. Nov: Text by Endnotes The Logic of Gender
2. Dec: Texts by Monique Wittig
The Category of Sex
One Is Not Born a Woman
The Straight Mind
9. Dec Texts by Shulamith Firestone
Dialectics of Sex
The Ultimate Revolution: Demands and Speculations
16. Dec Text by Paul B. Preciado
TECHNOGENDER
Please RSVP for each session to info@nkprojekt.de. We will then provide the reading materials. There is no cost to attend and is open to people of any field. Organized by Mattin, Sacha Kahir, Farahnaz Hatam, Colin Hacklander & NK. Location: NK Projekt. Start Time: 18:00. End Time: 21:00.



Les Colonnes de Daniel BUREN

jueves, 24 de marzo de 2016

"El arte contemporáneo es un fraude"






No fueron pocos los que se identificaron, hace un par de años, con aquella mujer de la limpieza de un museo alemán tan celosa de su trabajo que se empleó a fondo para eliminar unas terribles manchas que había en una de las obras expuestas. Ni se le ocurrió sospechar que formaban parte vital de la pieza Wenn es anfängt durch die Decke zu tropen (Cuando empieza a gotear el techo) del artista Martin Kippenberger, valorada en 800.000 euros. El Museo Ostwald de Dortmund (cuyas primeras entradas en Google son sobre el suceso, superando a su web oficial), llegó a afirmar que "estamos intentando aclarar cuanto antes qué tipo de capacitación tiene el personal de la limpieza". 
La crítica de arte mexicana Avelina Lésper diría que esa pobre trabajadora, además de un gran sentido de la pulcritud, tenía también un gran sentido común. Lésper, colaboradora de diferentes medios de comunicación latinoamericanos y directora del programa de televisión El Milenio visto por el Arte, es una de las voces que más suenan contrarias al arte contemporáneo, cuestionando desde los ready-made (el uso de objetos comunes como el urinario de Duchamp) a las performances efímeras.

-¿Cómo definiría el arte contemporáneo en una palabra?
-Fraude

-Explíquese…
-Carece de valores estéticos y se sustenta en irrealidades. Por un lado, pretende a través de la palabra cambiar la realidad de un objeto, lo que es imposible, otorgándoles características que son invisibles y valores que no son comprobables. Además, se supone que tenemos que aceptarlos y asimilarlos como arte. Es como un dogma religioso.

-¿Y por otro lado?
-También es un fraude porque está sostenido nada más que en el mercado, que es fluctuante y artificial en la mayoría de los casos. Se otorgan a las obras valores artificiales para que pienses: “si cuesta 90.000 euros es porque debe ser arte”. Estos precios son una burbuja, como existió la burbuja inmobiliaria.

-¿Y pinchará?
-Se tiene que pinchar. Una torre de papel sanitario de Martin Creed cuesta 90.000 euros. El objeto no es lo importante, sino lo que tú puedes demostrar económicamente a través de su compra.

-¿Y no pueden comprar Murillo o Picasso?
-No puedes especular con pintura antigua porque hay muy poca. En cambio, este tipo de obras se realizan en minutos, algunas se hacen en fábricas.

-¿No se podría especular con obra actual con valores estéticos?
-El arte toma tiempo. No hay manera de que Antonio López termine un cuadro… Por una parte, debes esperar a que el pintor o escultor haga sus obras. Por otra, el arte necesita talento, que el artista tenga algo que mostrar a través de su obra. Con el arte contemporáneo los artistas no necesitan tener nada.

-¿Puede poner algún ejemplo?
-Cuando Duchamp hizo su ready-made evitó a todos los artistas el proceso intelectual. Cualquier objeto es arte, el que sea. Bajo este punto de vista, imagínate la cantidad de obras de arte que tú tienes. Todo tu entorno es factible de convertirse en arte. No tienes que esperar que ese artista se forme, demuestre su talento y que acabe aportando algo, lo que es terriblemente difícil. Otro ejemplo es Santiago Sierra con sus ready-made. Te dice: “Esto es un contenedor de mierda de la India”. ¡Qué impresionante!

-Como mínimo piensan la definición…
-El crítico Arthur Danton dijo: “dejen que los filósofos pensemos en la obra, ustedes traigan sus objetos”. Si pones como tema el contenedor de mierda, ya llegará el curador que elabore el discurso y te hable de la miseria, de las últimas castas que recogen la mierda… hay toda una justificación social y moral. Si manifiestas que eso carece de valores estéticos, automáticamente te dicen que estás en contra del mensaje social. Es un arte chantajista, también. Utiliza este tipo de discursos para que lo aceptes como arte. Si no lo aceptas, o estás en contra de él o eres un ignorante.

-La denuncia social se ha ido haciendo a lo largo de la historia del arte…
-Se ha dado, pero no como valor de la obra. Los Fusilamientos del 3 de mayo de Goya valen por la realización artística, porque su pintura fue trascendental y profundamente moderna en su momento. Y sigue siendo moderna ahora. Por eso vale una pintura de Goya, no por el discurso.

-¿Se está confundiendo el arte con el mensaje?
-Ahora el arte solo es mensaje. No hay arte, solo hay panfletos. Estas obras no pueden existir sin los museos. Las obras, paradójicamente, se ven mejor en el catálogo que en vivo. Y ya no digamos con los artistas performance, que solo tienen el registro fotográfico de lo que hacen porque dicen que es efímero, aunque lo repitan 700 veces. Son obras que solo existen en los catálogos y a través de los discursos y la teoría que le ponen los comisarios y especialistas en estética. Son objetos de lujo, una nueva forma de consumo.

-A la mayoría de gente de a pie no le gusta el arte contemporáneo porque le resulta difícil de entender…
-Es que no hay nada que entender. Es un arte que te exige asimilarlo y no discutirlo, por eso también es dogmático. Te exige fe, que creas en él, no que lo comprendas, como las religiones. Quiere someter nuestro intelecto. Todo el tiempo quien se equivoca es el espectador, el artista y la obra es infalible. Si tú dices que carece de valores estéticos, de inteligencia, que no te propone ni aporta nada, entonces te dicen que eres un ignorante.

-¿Quién decide qué es arte?
-Es una decisión arbitraria que se toma entre las instituciones, los museos, las universidades… Es un arte de la academia. Eso de que es independiente y libre es mentira.

-¿Está subvencionado?
-Totalmente, no puede vivir sin las subvenciones del Estado. Es un arte parasitario. La mayoría de los artistas contemporáneos viven del Estado.

-¿El público no pinta nada?
-No. Por eso es demagogia pura que digan que este arte tiene intenciones sociales y que manifiesta intenciones morales. Rechaza a la gente, que para ellos es ignorante. Este arte no vive de la gente, vive de las instituciones y la especulación.

-¿Podríamos decir que refleja la sociedad actual?
-Es muy diferente reflejar que denunciar. Ellos parasitan la sociedad en la que viven, la refleja mejor Madoff. Ambos son parte de una misma mentira social que ha creado el capitalismo a través de la especulación económica. El arte contemporáneo es parte del fracaso capitalista.

-¿Estamos huérfanos de arte?
-Sí, porque no hay espacio para los artistas que sí están creando. ¿Qué muestra el Macba aunque esté vacío? En España hay muchos centros de arte contemporáneo que nacieron a la par que la burbuja inmobiliaria, para que te des una idea de cómo está el asunto. ¿Qué te puede aportar Jeff Koons que imita objetos de feria o cualquier ready-made? Ellos han hecho del material la obra. Ahora para decir guerra ya no tienes que pintar los fusilamientos, ahora escribes la palabra guerra en un letrero. Eso es no tener pensamiento abstracto. Jamás el arte se había despojado tanto de las metáforas… El problema es que se está acabando con una capacidad cognitiva.

-¿Nos quieren tontos?
-Exactamente. ¿Y sabes por qué? Eso tiene detrás de sí lo más pedestre que te puedas imaginar, el dinero. Por eso es también un fracaso del capitalismo. Todo lo que se ha hecho por dinero en estas dos últimas décadas ha hecho un daño enorme a la Humanidad. Por dinero se destruyó la economía de Europa, la de Estados Unidos, tenemos el narcotráfico en América Latina… y por dinero están destruyendo el arte.

-¿Alguna buena noticia vinculada al arte?
-(Ríe). Pues que nos hemos dado cuenta, no estamos ciegos ante esto. Los que pintan ahora con maestría y técnica son los contrarrevolucionarios. Y esta resistencia inteligente y creativa es la que va a alimentar el arte

-¿Estos artistas no son vendibles?
-Claro, pero las galerías necesitan que estén amparados por las instituciones. Cuando el Reina Sofía dejó de comprar a Arco, Arco se fue a la quiebra.

-El Reina Sofía dejó de comprar a Arco y empezó a exponer Picasso…
-...Y a Goya, para que la gente vaya…

-¿Esto sería el inicio del cambio?
-Exactamente. Llega un momento en que las instituciones van a tener que escuchar a la población y dejar de trabajar para los intereses privados.

-¿Qué piensa de artistas españoles contemporáneos como Tàpies o Barceló?
-Barceló tiene unos dibujos y unas acuarelas sensacionales. Tàpies está sobrevalorado. Surgió porque el arte español empezó a verse huérfano de creadores y fue la oportunidad de encumbrar a un tipo como Tàpies, con un lenguaje y una creación limitadísima.

-¿Ve mal el arte español?
-Lo del arte español es un fenómeno de análisis. Fue la cúspide del arte mundial, tuvo creadores que aportaron como nadie y ahora los artistas simplemente no existen. Y la crítica española está entregada y sumisa al sistema. ¿Cuándo España se dará cuenta que ha perdido su sitio en el arte?

-No es el único sitio que ha perdido…
-Pero es un factor muy delicado. El arte no nos sacará de la crisis, pero aporta humanidad.

BLANCA ORAA MOYUA